domingo, 31 de maio de 2009

Sebastião Salgado no NY Times

Foto: Kevin Scanlon, para o The New York Times, em Los Angeles.

No blog e no site do NY Times, publicado hoje (

SEBASTIÃO SALGADO sounds as if he’s slightly allergic to Los Angeles. It’s not just that this celebrated Brazilian photojournalist has been sniffling since he arrived in the city, explaining: “I was born in a tropical ecosystem. I’m not used to these plants.” It’s also that he peppers his description of the city with words like strange and crazy, noting that he was mesmerized by the sight of the endless stream of automobile traffic as his plane made its descent.
The urban sprawl of Los Angeles is, in any case, a far cry from the remote, sparsely populated jungle and desert locations where he has been traveling for his epic, ecological work in progress “Genesis.” Famous for putting a human face on economic and political oppression in developing countries, Mr. Salgado is photographing the most pristine vestiges of nature he can find: pockets of the planet unspoiled by modern development. He has visited the seminomadic Zo’e tribe in the heart of the Brazilian rain forest and weathered desolate stretches of the Sahara. Next up: two months in the Brooks mountain range of Alaska on the trail of caribous and Dall sheep.
But this brand of environmentalism is costly enough to send him back to major cities for support. That’s what brought him here for a three-day whirlwind of talks, meetings and parties. One night he gave a slide show featuring new work from “Genesis” to a sold-out crowd at the Hammer Museum. The next evening he was a guest of honor at a fund-raiser at the Peter Fetterman gallery in Santa Monica, where some of his new work appears in his show “Africa,” through Sept. 30. After that it was off to San Francisco for a benefit dinner given by Marsha Williams before returning to Paris, which he considers home along with Vitória, Brazil.
It might sound like a punishing schedule, but the 65-year-old photographer says he doesn’t mind and doesn’t lose focus on work even when flocked by art collectors and celebrity backers. Sitting down at the Peter Fetterman gallery, with his image of zebras in Namibia hanging overhead, Mr. Salgado compared his time away from nature to the potentially disruptive moment when he has to change the film in his camera, when he likes to close his eyes and sing so as not to lose concentration.
“I came here for special things, but my head is there, my body is there,” he said with an intent expression and a gentle Portuguese accent. “I might be sleeping in a hotel room in Los Angeles, but in my mind I am always editing pictures.”
For “Genesis,” an eight-year project now more than half completed, he is piecing together a visual story about the effects of modern development on the environment. Yet rather than document the effects of, say, pollution or global warming directly, he is photographing natural subjects that he believes have somehow “escaped or recovered from” such changes: landscapes, seascapes, animals and indigenous tribes that represent an earlier, purer — “pristine” is a favorite word — state of nature.
In this way “Genesis” is a grand, romantic back-to-nature project, combining elements of both the literary pastoral and the sublime. Mr. Salgado also describes it as a return to childhood, as he was raised on a farm in the Rio Doce Valley of southeastern Brazil — then about 60 percent rain forest — that suffered from terrible erosion and deforestation. Years later, in 1998, he and his wife, Lélia, founded the Instituto Terra on 1,500 acres of this land to undertake an ambitious reforestation project. His wife, who also designs his books and exhibitions, is the institute’s president; he is vice president and the institute’s most famous spokesman. Or, as Ian Parker wrote in The New Yorker, Mr. Salgado is more than a photojournalist, “much the way Bono is something more than a pop star.”
In short, while the Instituto Terra is the locally rooted arm of his environmental activism, “Genesis” is its globally minded, photo-driven counterpart. Since undertaking the series in 2004, he has visited some 20 different sites across 5 continents.He began with a shoot in the Galápagos Islands that paid homage to Darwin’s studies there. (Mr. Salgado says his title, “Genesis,” is not meant to be religious.) “Darwin spent 37 to 40 days there,” he said. “I got to spend about three months there, which was fabulous.” He was thrilled to see for himself evidence of natural selection in species like the cormorant, a bird that lost its ability to fly after a history of foraging for food underwater, not by air.
Last fall he spent two months in Ethiopia, hiking some 500 miles (with 18 pack donkeys and their owners) from Lalibela into Simien National Park to shoot the mountains, indigenous tribes and rare species like a very hairy baboon known as the Gelada. “I was traveling in this area in the same way people did 3,000 to 5,000 years ago,” he said.
Well, almost the same way. He did carry a satellite phone, which made him the point person for receiving news of the United States election in November. “When we found out that Obama won, everyone driving these donkeys, everyone was jumping up and down,” he said. He called Mr. Obama’s election “a victory for the planet.”
He is cautiously optimistic about his own environmental work. “I’m 100 percent sure that alone my photographs would not do anything. But as part of a larger movement, I hope to make a difference,” he said. “It isn’t true that the planet is lost. We must work hard to preserve it.”
His earlier projects were also driven by a sense of urgency. Before becoming a photographer he did doctoral work in agricultural economics at the University of Paris and served as an economist for the International Coffee Organization in London. You can see this training in the scope and complexity of his photography.
“Workers,” a seven-year project completed in 1992, featured images of laborers from 26 countries, including his acclaimed pictures of the Serra Pelada miners in Brazil. “Migrations,” a six-year project spanning some 40 countries that was completed in 1999, focused on migrants, refuges and other displaced populations that are financially and often physically vulnerable. (Both series became coffee-table books.)
A Getty Museum curator, Brett Abbott, who is including “Migrations” in his 2010 exhibition survey of narrative photojournalism, called this “epic approach” one of the Mr. Salgado’s hallmarks: “Of all the photographers I’m looking at, he’s probably taken on the biggest conceptual frameworks. He’s always looking at global problems.”
In this way “Genesis” represents less of a departure than it might at first seem. Even though he recently switched to a digital camera for large-format printing, his pictures have a consistent sensibility. He still generates contact sheets. He still likes to backlight his subjects, emphasizing — or romanticizing, his critics say — their forms. He still works in black and white. And his work still culminates in photo essays that, through a network of smaller stories, reveal something about an entire species. His fundamental subject is social systems, and now ecosystems.
His longtime gallerist, Peter Fetterman, also sees a strong through line in his career. While initially surprised by the turn to lush landscapes (“When I first saw the contact sheets, I thought maybe I was in the wrong studio, or the Ansel Adams archive”), he called Mr. Salgado’s empathy for subjects an overarching trait. “Other photojournalists go in and out for a day,” Mr. Fetterman said. “Sebastião goes and lives with his subjects for weeks before he even takes a picture.”
Mr. Salgado also emphasizes the continuities between his various projects. “There is no difference photographing a pelican or an albatross and photographing a human being,” he said. “You must pay attention to them, spend time with them, respect their territory.” Even landscapes, he said, have their own personality and reward a certain amount of patience.
His goal for “Genesis” is to produce a total of 32 visual essays, which he hopes to display in major public parks as well as at various museums starting in 2012. “It’s my dream to show the work in Central Park, not in some building but outside among the trees,” he said.
So far financial support from the project has come from gallery sales and reproduction deals with magazines like Paris Match in France and Visão in Portugal. Two Bay Area foundations — Susie Tompkins Buell’s and the Christensen Fund — have lent support. Eventually, to raise money for printing, he plans to issue a limited edition of 20 platinum photographs, a first for Mr. Salgado, who is known for rather democratically printing as many pictures as there are orders.
That’s just one of the elements that makes “Genesis” seem like a legacy project: a veteran photojournalist’s carefully planned and well-meaning contribution to his children, grandchildren and the world at large. But he said he did not think it would not be his last. While admitting that he might not attempt another 500-mile hike over the Simien Mountains, he said he had no plans to retire any time soon.
“I don’t know any photographer who stopped working because he turned 70,” he said, adding that as a breed they tend to live a long time. He mentioned Henri Cartier-Bresson, who died at the age of 95, and Manuel Álvarez Bravo, who lived until 100.
“I was in Mexico City for Álvarez Bravo’s 100th-birthday celebration,” Mr. Salgado said. “He was sick, with his feet inside a tub of hot water, but he still had his camera. So he was photographing his feet.”

Iceberg, Antártica (2005)

Mar de Areias, Namíbia (2005)

Pescadores em Mato Grosso, Brasil (2005)

quinta-feira, 28 de maio de 2009

Da Folha de SP (3) - Aprendendo a Ver

Centro Georges Pompidou


Aprendendo a ver


Somos um bocado cegos diante do mundo, mas os fotógrafos nos ensinam a enxergar

A maior parte das pessoas vai a um museu de arte para ver, claro, quadros e esculturas. Digo "a maior parte" porque há também os que não têm grande interesse no assunto e simplesmente acompanham, puxados pelo braço, quem os levou até lá. Digo "ver" os quadros e esculturas, mas isso também é exagero. A gente passa por eles, toma conhecimento de que existem, mas nem sempre é fácil "ver" aquilo que está num museu. Às vezes o embolo é tão grande, que em pouco tempo nosso único desejo é sair dali e "ticar" aquele item da nossa congestionada agenda de turista. O fotógrafo brasileiro Alécio de Andrade (1938-2003) pertencia a uma categoria mais rara de visitantes. Durante 39 anos, frequentou o Museu do Louvre. Não para ver as obras, mas para fotografar quem as via.É uma fauna e tanto. Uma das poucas vantagens desses lugares de grande aglomeração turística é poder apreciar a variedade de rostos, de tipos, de atitudes e de idades reunidas em torno de um grande quadro - que surge então não apenas pelo que tem de bonito em si, mas pelo que traz de síntese de toda a humanidade. "O Louvre e Seus Visitantes", em cartaz até 21/6 no Instituto Moreira Salles de São Paulo, reúne várias das fotos tiradas por Alécio Andrade nessa espécie de pesquisa antropológica, muitas vezes irônica, e de vez em quando tomada de lirismo. A ironia aparece, por exemplo, quando três freiras são retratadas de costas, dentro de seus volumosos hábitos cinzentos, absortas na contemplação das Três Graças da mitologia grega, nuíssimas num quadro neoclássico.Cansaço, tédio, vivacidade, sono, discórdia e companhia conjugais se sucedem nas fotos de Alécio Andrade, como se, numa pose inconsciente, todo turista tivesse sido pintado, também, pelos mestres que se escondem do outro lado da parede. O mais bonito de tudo, eu acho, são os cabelos. O glorioso e desgrenhado fluxo de ouro que emoldura uma turista, o comportado corte preto de outra, a surpresa de uma maria-chiquinha fulgurante, o empasto uniforme de uma menina triste como um anjo, tudo lembra e revive as pinceladas, as ventanias, os pudores dos Botticellis e Watteaus, quando fixaram na tela o rosto de tantas mulheres, hoje transformadas em pó. Fotos de pessoas de costas: este é um dos temas do livro brilhante do escritor inglês Geoff Dyer, "O Instante Contínuo", lançado recentemente pela Companhia das Letras.Trata-se, como diz o subtítulo, de "uma história particular da fotografia". Em vez de seguir rigorosamente a cronologia, o autor escolhe temas que possam nos guiar através de um labirinto de imagens, de percepções, de personalidades e de momentos da história do século 20.

Fotos de cegos
Fotos de cegos tocando sanfona. Fotos de multidões usando chapéu. Fotos de escadas. De cercas brancas. De janelas. Comparando, com essas chaves sucessivas, as obras de Paul Strand, de André Kertész, de Edward Weston ou de Walker Evans, o livro de Geoff Dyer é uma maravilha de astúcia, de humor e sensibilidade. Ele evita as armadilhas do formalismo técnico, do sociologismo e do psicologismo, sabendo misturar todos os enfoques sem nunca perder a mão.É difícil ver um crítico capaz de combinar tanta imaginação e senso de realidade num único parágrafo, numa descrição breve de uma obra de arte. A história da grande depressão econômica dos anos 1930, escreve Dyer, "pode ser contada pelas fotografias dos chapéus masculinos".Todos os homens pareciam iguais nas fotos daquela época, porque os chapéus tendiam a uniformizá-los. Antes da crise, chapéus eram sinais de prosperidade e de igualdade. As fotos de 1930 passam a revelar outras coisas: concentração de força política numa manifestação de operários; penúria extrema a pesar sobre a cabeça de um lavrador; anonimato, desistência; último instrumento de trabalho de um mendigo, à espera de esmolas numa esquina.O mendigo, numa foto de John Vachon tirada em 1937, era cego. O fascínio dos fotógrafos pelos cegos é mais do que compreensível. Os turistas do Louvre, retratados por Alécio Andrade, não são muito diferentes desses cegos; de resto, na maior parte do tempo somos todos um bocado cegos diante do mundo. Mas os fotógrafos servem exatamente para nos ensinar a ver; Geoff Dyer é um daqueles críticos que fazem isso também.PS - Na semana passada, escorreguei no latinório. Escrevi "pacta sum servanda" (os contratos devem ser respeitados) mas o certo é "sunt", não "sum".

Fonte: Folha de SP, de 27/05/2009.

P.S. de Campo de Visão: sempre gostei, tanto quanto de ver tudo o que via, de fotografar em museus. Fiz as fotos desta postagem, também, mais olhando para os lados do que para o que devia (!) olhar.

Centro Cultural Belém, Lisboa

Museu d`Orsay

Fundação Henri Cartier-Bresson


Museu Rodin

Centro Georges Pompidou

Museu d`Orsay


Centro Cultural Belém, Lisboa

Centro Georges Pompidou

Centro Cultural Belém

Fundação Henri Cartier-Bresson


Aliança Fancesa, Buenos Aires

Centro Cultural Recoleta

Memorial aos Desaparecidos, Buenos Aires

Museu d`Orsay

Museu d`Orsay

domingo, 24 de maio de 2009

Da Folha de SP 2 (ou antes tarde do que nunca)

Robert Mapplethorpe, que chocou os EUA com sexo e nudez, ganha mostra

Galeria exibe mais de 30 fotografias do artista, entre nus masculinos e femininos e retratos clássicos de copos-de-leite, orquídeas e tulipas


Robert Mapplethorpe era do tipo que não esquecia aniversários. Descrito como doce e simpático pelos amigos, era ótimo na mesa de jantar, alguém que não pensariam duas vezes antes de apresentar para a mãe. Também foi quem mais chocou a sociedade norte-americana com imagens de sado-masoquismo, sexo e nudez. Mapplethorpe, que tem mais de 30 fotografias expostas na galeria Fortes Vilaça, em São Paulo, assumiu a homossexualidade na arte contemporânea com mais veemência do que qualquer outro artista de sua geração.Antes de morrer de Aids em 1989, o filho de operários católicos do Queens fotografou a roqueira Patti Smith, namorou o colecionador Sam Wagstaff, escalou modelos negros e um albino para um enlace erótico PB e iluminou flores como Josef von Sternberg filmou Marlene Dietrich em "O Anjo Azul". Tudo em nome da forma."Ele se interessava por beleza, basicamente", lembra seu amigo e advogado Michael Scout, 65, hoje diretor da Mapplethorpe Foundation, que cuida do espólio do artista, em Nova York. Foi ele quem defendeu as obras do fotógrafo de censura numa exposição em Cincinnati, nos anos 90, que acabou com a prisão -e pouco depois a soltura- do diretor do museu.
Flores túrgidas
"Mas o escândalo é o que menos importa no trabalho dele", defende o curador italiano Germano Celant, 69, que costumava se hospedar no estúdio de Mapplethorpe. "As pessoas se chocavam com o tamanho dos pênis, mas sua obra é clássica."Mapplethorpe tratou mesmo a pele como mármore e bronze. Sua obsessão por modelos negros, quase sem pelos, refletia o pensamento de Michelangelo, que tentava "libertar a forma da matéria", e Rodin, com suas peças de metal lisas, sem arestas.Numa sessão de fotos, Mapplethorpe chegou a se irritar com uma modelo por causa de uma ruga no seio. "Queria que ela fosse lisa, perfeita, como uma escultura de [Antonio] Canova", lembra Celant, denunciando o flerte do artista com pulsões neoclássicas que, por pouco, não esbarram no cafona.Na mostra paulistana, imagens de homens e da body-builder Lisa Lyon, com feições quase masculinas, estão expostas junto de fotografias que fez de copos-de-leite, orquídeas e tulipas. "Mais do que o masoquismo, as flores são a parte mais erótica de sua obra", afirma Celant. "Ele dizia que elas tinham de ser colhidas ainda túrgidas."Isso porque gostava de aproximar caules e pétalas de pernas, braços e outras partes do corpo. "Era um formalista", resume Richard Flood, 65, curador do New Museum, que prepara um livro sobre o artista."Ele pensava só nos tons de preto, de cinza, de branco."

ROBERT MAPPLETHORPE Quando: abertura hoje, às 19h; ter. a sex., 10h às 19h; sáb., 10h às 17h Onde: Fortes Vilaça (r. Fradique Coutinho, 1.500, tel. 0/xx/11/ 3032-7066; classificação: livre) Quanto: entrada franca
Fonte: Folha de São Paulo, 14/05/2009

Patti Smith e Mapplethorpe, quando eram casados.

domingo, 17 de maio de 2009

Bob Dylan, Bruce Davidson e Josef Koudelka

O último disco de Bob Dylan, Together Through Life, traz como ilustrações duas fotos dos fotógrafos da cooperativa Magnum, Bruce Davidson (capa) e Josef Koudelka (contracapa).
A foto de Davidson é de um dos seus clássicos ensaios com adolescentes, mais especificamente com uma gang conhecida como The Jokers, realizado em 1959. Na imagem, um casal se beija ("se pega"...) no banco de trás de um carro, fotografados desde o banco da frente. Íntimo, o Bruce Davidson.
A foto da contracapa, do fotógrafo tcheco Josef Koudelka, é parte do ensaio realizado também no começo dos anos 60 sobre os ciganos do leste europeu.
Segundo o site da Magnum, além de usar a foto de Davidson, Bob Dylan solicitou que o setor "In Motion" da agência produzisse um pequeno vídeo com outras imagens do mesmo ensaio do fotógrafo, utilizando como áudio uma das músicas do novo disco. Aliás, a foto da capa tem mesmo tudo a ver com o nome do álbum.

O vídeo (um preview curtíssimo) pode ser visto em, ou integral (com menos qualidade), pode ser visto em .

Outras fotos de Davidson podem ser vistas em, e outras fotos do Koudelka podem ser vistas em

No Magnum in Motion pode-se ver, também, um video sensacional com fotos do Koudelka sobre a primavera de Praga (a invasão russa da antiga tchecoeslováquia, em 1968) em (e preste atenção: na primeira cena, o fotógrafo em cima de um tanque é o próprio Koudelka)

quarta-feira, 13 de maio de 2009

Martin Parr em SP

Fotos: Natália Tonda

Ontem aconteceu em São Paulo uma palestra com o fotógrafo britânico (qual a diferença entre inglês e britânico?) Martin Parr, famoso pela irreverência de suas imagens e pela documentação cheia de humor dos hábitos da classe média inglesa (ou britânica?).
De lá, recebi umas fotos e o relato da Natália Tonda, aluna em Projeto Experimental em Fotografia e em Fotojornalismo, na Unisinos. Vai abaixo:

Vou te contar um pouco do que aconteceu:
Foi bem bacana escutar o próprio maluco falando do trabalho irônico dele.
O pessoal do Garapa estava comandando o bate papo, com perguntas feitas por quem via a entrevista online, com o pessoal da platéia e com perguntas do próprio coletivo.
Antes das perguntas, Martin Parr começou se apresentando, com um slide de fotos e algumas palavras.
Comentou que quando se formou em fotografia não queria ser como todos que se formavam: começavam sendo ajudantes de fotógrafos para depois montar um próprio estúdio. O Martin queria ir além, queria fazer as próprias fotos, sem ter que fazer fotos para vender para os outros. Com isso foi atrás do que gostava de fotografar: comentou que gostava do uso do flash em ocasiões inoportunas, como quando se usa o flash na chuva/neve e a foto fica com manchas, ele adora essas manchas, então todas suas fotos de tempo carregam esse “efeito”. Quando descobriu essa linguagem resolveu fotografar o tempo ruim da Inglaterra. Daí fez o livro Bad Weather.
E assim saiu fotografando o próprio preconceito, como ele mesmo disse. Usa coisas que não gosta a seu favor. Bem britânico!
Ele explica que vêm daí seu estilo, suas fotos inoportunas e bizarras.
Falando sobre suas fotos, acabou comentando das fotos do The Last Resort: há pouco tempo recebeu um e-mail da criança que esta sentada junto de umas senhoras na praia. No e-mail, a criança dizia que fazia design e entendia toda a estética da foto. Martin aproveitou a deixa dizendo “é engraçado receber e-mail de um bebê”.
Falou também de que sempre se fotografam ou os pobres ou os ricos, mas ele resolveu fotografar a esquecida classe média, e como ele faz parte dela, disse que foi como fazer um auto retrato, então sabia de tudo que detestava e tudo do que gostava. E foi com isso que obteve ótimas imagens do livro The Cost of Living.
Comentou o quanto adora Las Vegas e como o EUA ajudaram ele em diversos trabalhos.
Mostrou e comentou um pouco de cada livro já publicado, e sempre com suas piadas britânicas.
Legal foi quando perguntaram se ele tinha problemas com direitos autorais por causa do uso de imagens dos seus personagens e ele respondeu dizendo que não, pois são imagens para um livro, uma exposição e não para revistas. Falou que sempre procura fotografar em lugares públicos para justamente não passar por esse tipo de problema. Porem na França, com novas leis rigorosas a respeito do uso de imagem, disse que tem dificuldade em fotografar e espera que essa lei não se espalhe pelo mundo.

Não consegui filmar porque a tradução era simultânea, por fone de ouvido, logo ficaria sem áudio. E também, a diretora do MIS estava do meu lado, já de cara feia para a minha câmera! Mas consegui algumas fotos, que estão aí! :)
P.S. (de Campo de Visão): a entrevista foi gravada e pode ser assistida na íntegra no link

domingo, 10 de maio de 2009

Do baú 1

Remexendo no baú, encontrei três pérolas (acho que desde 1976 não dizia "pérolas") de fotografia de show, em filme. Uma com a Sandy, cheia de amor. Outra com o Latino, "nas nuvens"(certamente também cheio de amor pra dar). E o playbackão comendo, uh tererê! Por falar em playback, a terceira é do De Falla.

Mas também teve noites pra lá de boas, com o Luis Melodia (no Dado Tambor, em 2003), com o Nando Reis (sei lá onde, tampouco quando. Lembrei: foi na noite que ele baixou a calça e mostrou os documentos pra platéia, doidão doidão doidão! Pô, todo mundo andava cheio de amor pra dar???), e com o Manu Chao (no Forum Social Mundial/2005). Doidão também, mas de calça no lugar, e ensimesmado com a companhia da página :)

domingo, 3 de maio de 2009

Da Folha SP, de ontem - 02/05/2009

Foto: Tony Cenicola/The New York Times

Fotos de Robert Capa são descobertas no México
Imagens de guerra ficaram perdidas por 70 anos


Praticamente intocados por 70 anos, rolos de filmes com 4.300 negativos feitos por Robert Capa, Gerda Taro e David Seymour durante a Guerra Civil Espanhola foram encontrados na Cidade do México.A história foi tema de reportagem do jornal "The New York Times" nesta semana.Os 126 rolos de filme estavam em três caixas gastas de papelão e foram levados para o Centro Internacional de Fotografia, no México, um ano atrás.Os estudiosos encontraram várias imagens até agora desconhecidas feitas por Capa, um dos fundadores da agência fotográfica Magnum e pioneiro fotógrafo de guerra, e Taro, sua companheira e parceira profissional, que morreu em 1937 atingida por um tanque perto do front a oeste de Madri.Mais surpreendente ainda foi a abundância de trabalhos novos de David Seymour, conhecido como Chim, que havia nas caixas. Outro dos fundadores da Magnum, ele não era conhecido por suas fotos do campo de batalha, mas por ter documentado de maneira penetrante a vida dos espanhóis à sombra da guerra."Isto realmente dá forma pela primeira vez à imagem que temos de Chim na Espanha, e o trabalho é realmente uma grande realização", disse Brian Wallis, curador chefe do centro, que planeja uma retrospectiva da carreira de Chim a ser inaugurada em 2010.Mais ou menos um terço dos negativos encontrados nas caixas é obra de Chim (o apelido é uma abreviação de seu sobrenome real, Szymin), morto em 1956 quando cobria a crise do Suez. "Ficamos estarrecidos ao ver que parte tão grande do trabalho é dele", disse Wallis.Apesar das esperanças iniciais, os negativos não elucidaram uma dúvida que paira há anos sobre a carreira de Robert Capa: a possibilidade de ele ter encenado a foto que talvez seja sua mais famosa, e um dos retratos definitivos da guerra: "O Soldado Caindo", que mostra um miliciano republicano espanhol caindo para trás no que parece ser o exato momento em que uma bala o mata, perto de Córdoba, em 1936.

P.S. (de Campo de Visão):
1) onde lê-se "Centro Internacional de Fotografia, no México..." se refere, na verdade, ao I.C.P. (International Center of Photography, em NY, onde os negativos estão sendo analisados);
2) para ler a matéria do NY Times que deu origem a essa nota da Folha, olhe em;
3) para ver algumas das imagens já "positivadas" desta série de negativos encontrados no ano passado, olhe em